Tchaikovsky-Violino concerto em Ré maior op. 35

,,Em 1881 a 4 de Dezembro, Tchaikovsky estreia em Viena o seu Violin Concerto em Ré maior, op. 35 interpretado pela Vienna Philharmonic Orchestra, regida por Hans Richter e com Adolf Brodsky no violino.Tchaikovsky dedicou seu concerto para violino a Adolf Brodsky

O Concerto para Violino em Ré maior, Op. 35 de Tchaikovsky é uma das obras-mestras do repertório violinístico e uma das peças mais amadas — e inicialmente mais controversas — do século XIX.

Composição e contexto

• Composto em 1878, durante um período emocionalmente turbulento para Tchaikovsky.

• Escrito na Suíça, logo após o fim do seu casamento desastroso.

• Originalmente dedicado ao violinista Leopold Auer, que considerou o concerto “intocável” e se recusou a tocá-lo, o que atrasou a estreia.

Estreia

• A crítica da estreia foi dura (Eduard Hanslick escreveu que “o violino é chicoteado até sangrar”), mas o público e os violinistas acabaram por o consagrar rapidamente.

Características musicais

O concerto é conhecido por:

• Virtuosismo extremo, mas sempre ligado a uma grande expressividade melódica.

• Lirismo típico de Tchaikovsky, com melodias amplas e de grande apelo emocional.

• Equilíbrio entre brilho técnico e poesia, tornando-o obrigatório no repertório de qualquer grande violinista.

♪ Estrutura

I. Allegro moderato (Ré maior → Ré menor → Ré maior)
Extenso, cheio de passagens técnicas brilhantes, mas também de enorme beleza melódica. O tema principal é luminoso e expansivo.

II. Canzonetta: Andante (Sol menor)
Um dos movimentos lentos mais delicados de Tchaikovsky. Lírico, introspectivo, quase vocal — curta “pausa poética” entre dois movimentos cheios de energia.

III. Finale: Allegro vivacissimo (Ré maior)
Movimento de caráter folclórico e dançante, com energia rítmica contagiante. Exige fôlego, precisão e virtuosismo extremo — um verdadeiro final apoteótico.

🎧 Importância

Hoje é:

• Um dos cinco concertos para violino mais tocados em todo o mundo.

• Um marco tanto técnico quanto expressivo para o intérprete.

• Uma síntese do espírito russo romântico com brilho universal.

 

Saint-Saenz-Piano Concerto nº4 em dó op44

Em 1875,a 31 de outubro Saint-Saëns Piano estreia em Paris o seu Piano Concerto No. 4 em dó Op. 44, conduzido por Edouard Colonne, também  sendo solista.

 O concerto é dedicado a Anton Door, professor de piano no Conservatório de Viena. Continua a ser um dos concertos para piano mais populares de Saint-Saëns, perdendo apenas para o Concerto para piano nº 2 em sol menor.

é uma obra fascinante, muito menos tocada que o 2º, mas de uma complexidade e originalidade estrutural que a tornam singular dentro do repertório romântico.

Estrutura inovadora:

Diferente da forma tradicional em três movimentos, Saint-Saëns compôs este concerto em dois grandes movimentos, cada um subdividido internamente em várias seções contrastantes. Isso cria um fluxo contínuo, quase sinfônico, em que temas reaparecem e se transformam — algo que antecipa ideias cíclicas de compositores posteriores.

O piano como narrador e não apenas virtuose:
Aqui o piano não é só o instrumento solista que domina a orquestra — ele dialoga e tece texturas com ela. A escrita pianística é densa, mas não ostentatória; a virtuosidade é intelectual e arquitetônica, mais que pirotécnica.

Caráter e contraste:
O primeiro movimento começa quase como uma fuga barroca, com austeridade e contraponto, mas logo se abre em lirismo e dramatismo.
O segundo movimento, mais longo, alterna entre momentos de serenidade lírica e passagens impetuosas, mostrando aquele Saint-Saëns elegante, de ironia refinada e equilíbrio clássico — mesmo quando a emoção transborda.

Clima geral:

Menos teatral que o 2º Concerto, mas mais filosófico e interior, o 4º tem um ar de meditação sobre a forma e sobre o próprio diálogo entre o solista e o todo. É uma peça de maturidade (1875), composta no auge da segurança técnica e da consciência estética do compositor.  

Verdi-Requiem 1967

o Requiem de Verdi tem uma estrutura monumental, fiel ao texto litúrgico tradicional da Missa pro defunctis, mas moldada com o drama e a teatralidade típicos de Verdi.

A obra está dividida em sete grandes partes, que por sua vez contêm seções internas distintas. Eis o mapa completo:

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1. Requiem e Kyrie

• “Requiem aeternam” — o coro sussurra uma prece pelos mortos, quase em murmúrio, num clima de piedade e penumbra.

• “Kyrie eleison” — introdução dos quatro solistas (soprano, mezzo-soprano, tenor, baixo) em diálogo implorando misericórdia.
  👉 Função: abertura litúrgica, de súplica e recolhimento.

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2. Dies Irae

A parte mais longa e dramática, verdadeira alma da obra. Divide-se em várias seções internas que descrevem o Juízo Final.

• “Dies irae” — explosão apocalíptica; o terror do dia da ira divina.

• “Tuba mirum” — fanfarras de trombetas chamam os mortos ao julgamento.

• “Mors stupebit” — baixo solista descreve o espanto da morte.

• “Liber scriptus” — mezzo-soprano canta o livro do destino, solene e profético.

• “Quid sum miser” — trio dos solistas (soprano, mezzo e tenor) pergunta: “Que direi eu, miserável, quando o Juiz vier?”

• “Rex tremendae” — invocação poderosa: “Rei de tremenda majestade.”

• “Recordare” — dueto feminino de rara doçura, pedindo perdão.

• “Ingemisco” — ária do tenor, plena de arrependimento e esperança.

• “Confutatis” — o baixo implora para ser chamado entre os benditos.

• “Lacrimosa” — coro e solistas se unem no lamento final, a humanidade inteira em lágrimas.
  👉 Função: descrição do julgamento e súplica pela salvação.

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3. Offertorio

• “Domine Jesu Christe” — súplica pelos mortos.

• “Hostias” — trio sereno e suspenso, oferecendo o sacrifício por eles.
  👉 Função: intercessão pelos defuntos, de tom meditativo.

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4. Sanctus

• Canto fugado para duplo coro.
  👉 Função: celebração jubilosa e contrapontística — o louvor após a tempestade do Dies irae.

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5. Agnus Dei

• Dueto de soprano e mezzo-soprano com coro respondendo em ecos.
  👉 Função: pedido de paz e repouso eterno.

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6. Lux Aeterna

• Trio (mezzo, tenor e baixo) em atmosfera de luz e serenidade.
  👉 Função: evocação da luz eterna que guia as almas.

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7. Libera me

• O soprano domina.

• Reaparece o tema do Dies irae, num último confronto com o medo.

• Alternância entre terror e súplica até o final pianíssimo: “Libera me, Domine, de morte aeterna.”
  👉 Função: oração final — a alma, sozinha, diante de Deus.

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A obra toda forma um arco dramático:
começa na escuridão (Requiem), passa pela tempestade (Dies irae), encontra respiro na fé (Offertorio, Sanctus, Agnus Dei, Lux Aeterna), e termina numa solidão comovente (Libera me).

É como se Verdi escrevesse não apenas uma missa, mas uma viagem espiritual, do medo à esperança, da carne à eternidade.

Schubert-Sinfonia nº2 em si bemol maior D.125

Em 1877 a 20 de outubro,  Franz Schubert estreia em Berlim a sua Sinfonia nº2 em si bemol maior D.125 Aqui a interpretação é da Frankfurt Radio Symphony ∙ Andrés Orozco-Estrada, Dirigent ∙ 

A Sinfonia n.º 2 é uma das obras orquestrais mais interessantes do seu período juvenil — composta em 1814–1815, quando ele tinha apenas 17 ou 18 anos. Embora ainda revele a influência forte de Haydn, Mozart e Beethoven, já se percebe nela uma voz própria, especialmente no tratamento melódico e no lirismo característico de Schubert.

I. Largo — Allegro vivace (Si bemol maior)

A introdução lenta (Largo) tem um caráter quase solene, abrindo espaço para um Allegro vivace leve, cheio de energia juvenil. Nota-se uma clara herança clássica — o uso de forma sonata é bastante disciplinado — mas Schubert tempera isso com melodias cantáveis e um sentido harmônico mais aventureiro do que era comum em Haydn, por exemplo. O desenvolvimento modula com liberdade surpreendente para um compositor tão jovem.

II. Andante (Mi bemol maior)

Este segundo movimento é uma série de variações sobre um tema simples e gracioso. Cada variação apresenta novas cores instrumentais e mudanças de caráter: ora delicado, ora mais vigoroso. Aqui Schubert mostra já um talento especial para orquestração clara e para melodias que parecem quase vocais, como se uma canção estivesse escondida na textura instrumental.

III. Menuetto: Allegro vivace — Trio (Si bemol maior / Sol menor)

O Minueto é ritmicamente incisivo e lembra bastante Beethoven nos seus scherzi iniciais, embora mantenha o título tradicional “Menuetto”. O Trio, em Sol menor, cria um contraste mais sombrio e dramático, antes do retorno ao clima mais jovial do Minueto. Aqui se nota um jogo expressivo entre luz e sombra que antecipa o Schubert maduro.

IV. Presto (Si bemol maior)

O Finale é vibrante, cheio de energia rítmica e vitalidade. A escrita orquestral é ágil, e Schubert mostra domínio da forma rondó-sonata, com um tema principal muito marcante. Há ecos do espírito lúdico de Haydn, mas com um colorido harmônico mais pessoal e fresco. É um desfecho alegre e brilhante, típico de uma sinfonia juvenil, mas tecnicamente muito bem construída.

Em contexto histórico e estilístico

• A Sinfonia n.º 2 foi escrita pouco depois da n.º 1 (D. 82), ainda na Viena do pós-Napoleão.

• Não foi publicada nem amplamente executada durante a vida de Schubert.

• Orquestra clássica relativamente pequena, sem trombones (como nas sinfonias iniciais).

• Mostra já a sua inclinação para o lirismo melódico, contrastando com a estrutura clássica herdada.

• É uma obra excelente para perceber como Schubert assimila a tradição clássica e começa a transformá-la.

Em resumo:

A Sinfonia n.º 2 é uma obra juvenil, mas refinada, cheia de vitalidade, com momentos de genuíno lirismo schubertiano. Não tem o peso dramático das últimas sinfonias, mas tem um frescor e uma elegância que a tornam uma joia do repertório clássico inicial de Schubert.. 

Brahms-Concerto para violino em ré maior op.77

O Concerto para Violino em Ré maior, Op. 77, de Johannes Brahms, é uma das obras mais monumentais do repertório violinístico, frequentemente considerado, ao lado dos de Beethoven, Mendelssohn e Tchaikovsky, um dos "grandes concertos românticos" para violino. Algumas notas sobre ele:

• Composição e estreia:
  Foi escrito em 1878, numa fase madura de Brahms. Dedicou-o ao violinista húngaro Joseph Joachim, grande amigo e conselheiro musical, que também colaborou em revisões da parte solista. A estreia ocorreu em Leipzig em 1879, com Joachim como solista e Brahms a reger.

• Estrutura:
  O concerto tem três movimentos, mas de caráter bastante singular:

  1. Allegro non troppo – imenso, quase sinfônico em dimensão, com grande diálogo entre solista e orquestra. O violino não é mero protagonista, mas parte integrante de uma arquitetura orquestral complexa.

  2. Adagio – momento lírico de rara beleza, em que o oboé abre com um tema que depois é desenvolvido pelo violino solista. Muitos consideram este movimento uma das passagens mais poéticas do romantismo.

  3. Allegro giocoso, ma non troppo vivace – Poco più presto – final com espírito de dança húngara, vibrante e enérgico, refletindo também a influência de Joachim, que era húngaro.

• Caráter e recepção:
  Na época, alguns violinistas acharam a parte solista "difícil demais" e até "anti-violínistica", porque Brahms escreveu de modo sinfônico, com grande densidade harmônica, exigindo tanto virtuosismo quanto profundidade interpretativa. Hoje, porém, essa abordagem é justamente o que faz dele um pilar do repertório.

• Interpretação:
  O concerto exige do intérprete não só técnica refinada, mas também maturidade musical e capacidade de diálogo com a orquestra. É uma obra em que o virtuosismo está sempre subordinado à expressão musical.

Muitos críticos dizem que o concerto de Brahms é mais do que uma peça para solista com acompanhamento — é quase uma sinfonia com violino obbligato.

Sibelius-Sinfonia nº7 em dó maior op.105

, A Sinfonia nº 7 em dó maior, op. 105 de Jean Sibelius é uma obra-prima singular e uma das sinfonias mais inovadoras do repertório. Concluída em 1924, essa peça destaca-se por sua estrutura contínua e coesa, condensando toda a forma sinfônica em um único movimento de cerca de 20 minutos.

O que faz essa sinfonia tão especial é a forma como Sibelius trabalha a transição orgânica entre os temas, evitando divisões rígidas em movimentos separados. Ele utiliza mudanças de tempo sutis e o desenvolvimento contínuo das ideias musicais, criando uma sensação de fluxo natural. A introdução majestosa já estabelece o caráter solene da obra, com o trombone apresentando um motivo grandioso que retorna ao longo da peça, quase como um "hino" interno.

A harmonia é rica e muitas vezes inesperada, oscilando entre tonalidades de maneira quase imperceptível. A instrumentação é econômica, mas profundamente expressiva, com um uso magistral das cordas e dos sopros para criar texturas que parecem expandir e contrair como se fossem organismos vivos.

Esta sinfonia marca o fim do ciclo sinfônico de Sibelius e, de certa forma, simboliza sua despedida da composição orquestral. Depois dela, ele praticamente deixou de escrever música, entrando em um longo silêncio criativo que duraria o resto de sua vida 

No ano de 1924 a 24 de Março, Sibelius estriou  esta sinfonia em Estocolmo  com o próprio compositor na direcção da orquestra.

Aqui a interpretação é da Wiener Philharmonia Orchestra dirigida por Leonard Bernestein

   

Mahler-Sinfonia nº09 em ré maior

,A Sinfonia nº 9 em Ré Maior de Gustav Mahler é uma obra monumental, carregada de emoção e marcada por um senso profundo de despedida e transcendência. Composta entre 1908 e 1909, foi a última sinfonia completa de Mahler, e muitos a interpretam como sua despedida do mundo, pois ele já estava doente e consciente da proximidade da morte.

 Um desempenho típico leva cerca de 75 a 90 minutos. Uma pesquisa com maestros elegeu a Sinfonia nº 9 de Mahler como a quarta maior sinfonia de todos os tempos numa votação conduzida pela BBC Music Magazine em 2016. Como no caso de seu anterior Das Lied von der Erde, Mahler não viveu para ver sua Sinfonia nº 9 ser executada. 

Aqui está um panorama dos movimentos:

1. Andante comodo – Um movimento vasto e introspectivo, onde Mahler constrói um mundo de contrastes entre doçura e angústia. O tema principal, de caráter oscilante, parece imitar um coração irregular, talvez refletindo sua própria condição cardíaca.

2. Im Tempo eines gemächlichen Ländlers – Uma espécie de dança distorcida, onde Mahler desconstrói o ländler (uma dança camponesa austríaca), transformando-o em algo grotesco e instável, como se zombasse das tradições.

3. Rondo-Burleske – Um movimento feroz, cheio de ironia e sarcasmo, com contrapontos caóticos e passagens de um virtuosismo impiedoso. Pode ser visto como uma crítica mordaz à sociedade e à futilidade da vida.

4. Adagio – O verdadeiro testamento de Mahler. Lento, solene e profundamente expressivo, é uma despedida serena e devastadora ao mesmo tempo. O movimento vai se dissolvendo em um silêncio absoluto, como se a música e a vida se apagassem suavemente.

Prokofiev-Sinfonia nº5 em si maior

No ano de 1945 em Janeiro, estreia de Prokofiev a sinfonia nº5 em si maior com o próprio autor na condução da Filarmónica de Moscovo. A Sinfonia nº 5 em Si bemol maior, Op. 100, de Sergei Prokofiev, é uma obra magistral do repertório sinfônico do século XX. Composta em 1944, durante a Segunda Guerra Mundial, Prokofiev a descreveu como uma celebração do espírito humano, "um hino à liberdade do homem, à sua força e grandeza". Características e Estrutura: A sinfonia segue a forma tradicional em quatro movimentos, mas com a inovação harmônica e rítmica que caracteriza Prokofiev: Andante: O movimento inicial é grandioso e expansivo, apresentando um tema principal de impressionante força e beleza. É um exemplo da habilidade de Prokofiev em criar melodias memoráveis e emocionalmente ressonantes. Allegro marcato: O segundo movimento é marcado por um caráter irônico e satírico, um scherzo que combina energia rítmica e tons de humor, mostrando o estilo característico do compositor. Adagio: O terceiro movimento é sombrio e introspectivo, muitas vezes interpretado como um reflexo dos horrores da guerra. Há uma densidade emocional que contrasta com os outros movimentos. Allegro giocoso: O final é vibrante, repleto de energia e otimismo, com um desfecho triunfante que reafirma a mensagem de resiliência. Impacto e Recepção: A estreia da sinfonia, conduzida pelo próprio Prokofiev em 1945, foi um sucesso retumbante. Composta num momento de esperanças renovadas no final da guerra, a obra foi vista como uma afirmação da vitória e da paz. Seu impacto emocional e técnico garantiu-lhe um lugar entre as obras-primas do compositor. O que a torna especial: Complexidade harmônica: Prokofiev combina tonalidade tradicional com dissonâncias modernas. Ritmos marcantes: A energia rítmica da sinfonia é irresistível. Capacidade narrativa: A obra parece contar uma história, oscilando entre o lirismo, a ironia e o triunfo.

Beethoven-Missa Solene em ré maior op 123

A Missa solemnis (Missa solene) em ré maior, Op. 123 é uma missa composta por Ludwig van Beethoven no período 1819-1823. Estreada em 7 de abril de 1824 em São Petersburgo, é geralmente considerada uma das obras supremas de Beethoven e uma das mais importantes missas do repertório ocidental. A Missa Solemnis é a segunda missa de Beethoven e sua maior obra sacra. 

O compositor já entretinha a ideia de escrever uma nova missa em 1818, tentando aperfeiçoar seu domínio da prosódia latina e estudando composições de outros autores na biblioteca musical dos seus patronos o arquiduque Rodolfo e o príncipe Lobwokitz, mas a composição começou efetivamente em 1819, após saber que o arquiduque Rodolfo havia sido nomeado cardeal e seria instalado como arcebispo de Olmütz, 

Nem o autor nem o recipiente da dedicatória chegariam a ver uma apresentação

José María Vitier-Missa Cubana

A “Missa Cubana”, composta por José María Vitier, é dedicada à Virgem da Caridade de El Cobre, Padroeira de Cuba. 

A obra, como um todo, é concebida a partir da universalidade dos valores do culto mariano com a especificidade da cultura cubana. 

Culto e cultura se entrelaçam buscando uma síntese sonora que nos represente como pátria espiritual. 

 Esta obra, estreada na Catedral de Havana em 1996, foi objeto de mais de 100 apresentações em importantes locais cubanos e internacionais, entre os quais se podem citar lugares como Washington, Virgínia, Montreal, Roma, Lisboa e Tel Aviv, bem como como em diversas cidades da França, Dinamarca, Suíça, Equador, México, Brasil, Argentina, República Dominicana e Espanha. 

 A obra é composta por três canções à Virgem de El Cobre em espanhol, além das partes tradicionais: “Kyrie Eleison”, “Gloria”, “Sanctus”, “Agnus Dei”, “Hosanna” e “Salve Regina”, todas criado com base em textos litúrgicos em latim. O formato utilizado para a “Missa Cubana” inclui vozes solo, coro, orquestra de cordas, teclados e percussão.

Ariel Ramirez-Misa Criolla

Misa Criolla ("Missa Crioula", em espanhol) é uma obra musical para solistas, coro e orquestra, de natureza religiosa e folclórica, criada pelo compositor argentino Ariel Ramírez, feita para dois tenores-solo, coro misto, percussão, piano e instrumentos tradicionais da região dos Andes.

 Os textos litúrgicos foram traduzidos e adaptados pelos padres Alejandro Mayol e Jesús Gabriel Segade. 

A peça, considerada uma das obras máximas da música argentina, foi inspirada por - e dedicada a - duas religiosas alemãs, Elisabeth e Regina Brückner, que durante o nazismo ajudaram com alimentos os prisioneiros de um campo de concentração. 

 A obra foi composta e gravada em 1964, e lançada como álbum em 1965, com o célebre grupo folclórico Los Fronterizos (Eduardo Madeo, Gerardo López, Julio César Isella e Juan Carlos Moreno) como solistas, Jaime Torres no charango, Domingo Cura na percussão, Raúl Barboza no acordeão, Luis Amaya no violão, a Cantoría de la Basílica del Socorro, regida pelo padre J. G. Segade, e uma orquestra formada por instrumentos regionais, conduzida pelo próprio Ariel Ramírez.

Berlioz-Grande sinfonia fúnebre e triunfal op.15

Em 1840 Hector Berlioz estreia em Paris a sua 4ª e última sinfonia a Grande sinfonia fúnebre e triunfal op.15, sob sua direcção que fez com uma espada 

 A sinfonia foi uma encomenda do governo francês, que queria comemorar o décimo aniversário da Revolução de Julho que trouxe Luís Filipe ao poder Berlioz tinha pouca simpatia para o regime, mas ele aceitou a oportunidade de escrever a obra que lhe trouxe um pagamento de 10.000 francos. .

A sinfonia tem três movimentos:

1. Marche funèbre (Andante solenne)
   – Uma marcha fúnebre imponente e solene. É austera, mas nunca fria — Berlioz usa a massa sonora da banda para criar uma atmosfera de luto nobre.

2. Oraison funèbre (Adagio non troppo)
   – Um lamento mais introspectivo, que pode ser tocado com um solista de trombone. Aqui há mais lirismo e sentimento íntimo. O uso do trombone como voz solista lembra a dignidade de um discurso fúnebre.

3. Apothéose (Allegro non troppo)
   – Um movimento triunfal, quase teatral, celebrando os heróis caídos. Quando o coro opcional é incluído, entoa um hino patriótico. Aqui, o “triunfo” contrasta e equilibra o luto dos movimentos anteriores.

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O que a torna especial?

• Orquestração para banda militar – incomum para uma sinfonia, mas típica do espírito visionário de Berlioz.

• Narrativa clara – A obra é quase cinematográfica em sua progressão do luto à glorificação.

• Função pública e simbólica – une o ritual cívico à arte musical, algo que poucos compositores conseguiram com tamanha força.

 

 Na verdade, acredita-se que grande parte do trabalho baseia-se em material que tinha sido composta muito tempo antes. Esta estreia aconteceu no 90º aniversário da morte de Bach

Mendelssohn-Violino Concerto em mi menor op.64

No ano de 1845,a 13 de Março, Mendelssohn estreia em Leipzig o seu Violin Concerto em mi menor op.64, com Ferdinand David, como solista, acompanhado pela Leipzig Gewandhaus Orchestra conduzida por Niels Gade

Talvez o meu concerto de violino favorito

Estrutura

• 1º movimento (Allegro molto appassionato): Começa de forma surpreendente — sem introdução orquestral! O violino entra logo de cara, com uma melodia apaixonada e lírica. Mendelssohn pula as formalidades clássicas e já nos joga no turbilhão da emoção.

• 2º movimento (Andante): É pura ternura. Melancolia doce, como uma noite calma de primavera. Tem algo de oração nesse movimento — como se o violino cantasse baixinho para si mesmo.

• 3º movimento (Allegretto non troppo – Allegro molto vivace): Aí vem a leveza encantadora do Mendelssohn. Um quase conto de fadas em forma de som. Brilha como luz a dançar sobre um rio.

• Mendelssohn respeita a forma clássica, mas a suaviza com uma fluidez quase moderna.

• A escrita para violino é desafiadora, mas nunca mostra apenas técnica — é emoção em movimento.

• A orquestra não é só pano de fundo; dialoga com o solista o tempo todo, como se fossem dois personagens íntimos numa conversa.

 

Rachmaninov-Piano Concerto Nº2 em dó menor op.18

O Concerto para Piano nº 2 em Dó menor, Op. 18, é um concerto para piano e orquestra composto por Sergei Rachmaninoff entre junho de 1900 e abril de 1901.

 A peça estabeleceu sua fama como compositor de concertos e é uma de suas peças mais populares. Após a desastrosa estreia de sua Primeira Sinfonia em 1897, Rachmaninoff sofreu um colapso psicológico e uma depressão que o impediu de compor por três anos.

 Em 1899, ele deveria apresentar o Segundo Concerto para Piano em Londres, que ainda não havia composto, e em vez disso fez uma estreia como regente de sucesso. O sucesso gerou um convite para retornar no próximo ano com seu Primeiro Concerto para Piano; no entanto, ele prometeu reaparecer com um novo e melhor.

 Depois de um encontro mal sucedido com Leo Tolstoy com o objetivo de revogar seu bloqueio de escritor, parentes decidiram apresentar Rachmaninoff ao neurologista Nikolai Dahl, a quem ele visitou diariamente de janeiro a abril de 1900. 

Rachmaninoff dedicou o concerto a Dahl por tratá-lo com sucesso, restaurando sua saúde e confiança na composição. Do verão ao outono de 1900, trabalhou no segundo e terceiro movimentos do concerto, sendo que o primeiro movimento lhe causou dificuldades. Ambos os movimentos do concerto inacabado foram executados pela primeira vez com ele como solista e seu primo Alexander Siloti regendo em 15 de dezembro [O.S. 2 de dezembro] 1900.  

Miaskovsky-Sinfonia No. 25 em ré bemol maior op.69

Em 1947 Miaskovsky estreia a Symphony No. 25 no Moscow Conservatory, Alexander Gauk conduziu a USSR State Symphony Myaskovsky (1881-1950) compôs seu Opus 69 em 1946 e foi o primeiro escrito após a guerra. Embora não seja a mais popular de sua produção, a 25ª Sinfonia parece, ser o auge de sua condição de russo. O primeiro movimento é um magnífico adágio no qual Myaskovsky tece, por mais de 15 minutos, uma linda melodia imbuída de eslavo que aumenta e diminui e dá a sensação de paz e serenidade após a turbulência dos anos anteriores ao seu nascimento. O segundo movimento é marcado moderato, mas é bastante lento e medido - embora um pouco mais leve que o primeiro. O final é uma exposição grandiosa de temas russos, em que o ouvinte sente que o compositor está expressando sua alegria de viver e escrevendo um testamento da bondade que existe no mundo, apesar do horror da guerra. Talvez a 25ª sinfonia de Myaskovsky possa ser descrita como um trabalho pastoral - ou talvez seja apenas a voz de alguém que está celebrando sua sobrevivência e a da humanidade.

Haydn-Sinfonia nº104 em ré maior"London"

Em 1795 Haydn estreia no King's Theater em Londres a sua Sinfonia Nº 104 em ré maior com a orquestra conduzida pelo próprio Haydn 

A “Sinfonia nº 104, em Ré maior” “London”, de Joseph Haydn, a última sinfonia do compositor e também considerada a mais bela. 

Escrita quando Haydn vivia em Londres, portanto o seu apelido de “London”. Haydn é considerado o Pai" da sinfonia e do quarteto de cordas, mestre do classicismo vienense, admirado por Mozart, professor de Beethoven.

Shostakovitch-Sinfonia nº05 em ré menor op.47

Dmitri Shostakovitch escreveu sua Sinfonia n°5 em ré menor, Op. 47, entre abril e julho de 1937. Sua primeira apresentação foi em Leningrado pela Orquestra Filarmônica de Leningrado sob a regência de Yevgeny Mravinsky, a 21 de novembro de 1937. Este trabalho foi um enorme sucesso, e diz-se que recebeu aplausos por pelo menos 40 minutos, segundo Mstislav Rostropovich. É até hoje um de seus trabalhos mais populares.

Schubert-Sinfonia nº8 em si menor Incompleta

No ano de 1867, 39 anos depois da sua morte é estreada a Sinfonia nº8 em si menor de Schubert denominada a incompleta. A Sinfonia em si menor, D. 759, de Franz Schubert (ou "Sinfonia Inacabada" ou ainda "Sinfonia n.º 8") foi composta em 1822 mas só foi descoberta vários anos depois da morte do compositor. É-lhe atribuída normalmente a posição 8 entre as sinfonias de Schubert, mas segundo as renumerações recentes deveria ser a n.º 7[1]. O nome de Inacabada ou Inconclusa deve-se a ter apenas dois andamentos, embora nada demonstre que Schubert pensasse em fazer mais, com o qual (ou quais) a obra estaria completa. Alguns musicólogos afirmam que esta sinfonia antecipa a música de Anton Bruckner. Há diversas teorias sobre o motivo pelo qual a sinfonia está incompleta, e por que motivos Schubert não chegou a terminar a obra. Há quem considere que, ao inteirar-se apenas um mês depois de começá-la, que padecia de sífilis, teria abandonado a obra e a teria dado ao seu amigo Josef Hüttenbrenner. Este, por sua vez, deu-a ao seu irmão Anselm, que finalmente a entregou a Johann Herbeck, o maestro que a estrearia em Viena.

Mendelssohn-Sinfonia nº4 em lá maior"Italiana"

Felix Mendelssohn-Bartholdy visitou a Itália entre 1829 e 1831 e ficou absolutamente maravilhado. “Isso é a Itália! E, agora que começou, tenho tudo o que sempre imaginei: a alegria suprema em vida”, confidenciou ao pai em uma carta enviada de Veneza. O compositor e professor Leonardo Martinelli, em nota de programa para a apresentação que realizamos em 2016, escreveu: "tal como em Goethe, a Itália deixaria uma marca profunda na arte de Mendelssohn, e a manifestação mais intensa dessa 'forza indomita' é sua 'Sinfonia nº 4', Op. 90, esboçada ainda durante sua viagem e concluída quando já havia retornado à Alemanha, em março de 1833".

Tchaikovsky-Sinfonia nº 6 em si menor"Pathétique" op.74

Em 1893 Tchaikovsky estreia em São Petersburgo a sua Sinfonia Nº 6 em si menor op.74 "Patética", regida pelo próprio, 9 dias antes de morrer. O compositor, bebendo água não fervida, foi contaminado pela epidemia de cólera que grassava em São Petersburgo. Alguns biógrafos interpretam o facto, como uma verdadeira tentativa de suicídio, pois nada custava tomar os cuidados necessários contra a possibilidade de contrair a moléstia.Em 1893 Tchaikovsky estreia em São Petersburgo a sua Sinfonia Nº 6 em si menor op.74 "Patética", regida pelo próprio, 9 dias antes de morrer.

Beethoven-Sinfonia nº9 em ré menor op.125

A nona sinfonia de Beethoven incorpora parte do poema An die Freude ("À Alegria"), uma ode escrita por Friedrich Schiller, com o texto cantado por solistas e um coro em seu último movimento.

 Foi o primeiro exemplo de um compositor importante que tenha utilizado da voz humana com o mesmo destaque que os intrumentos, numa sinfonia, criando assim uma obra de grande alcance, que deu o tom para a forma sinfônica que viria a ser adotada pelos compositores românticos.

 A sinfonia nº 9 tem um papel cultural de extema relevância no mundo atual. Em especial, a música do último movimento, chamado informalmente de "Ode à Alegria", foi rearranjada por Herbert von Karajan para se tornar o hino da União Européia

Brahms-Sinfonia nº1 em dó menor op.68

Após esses sucessos, ele finalmente completou uma série de obras com as quais lutou ao longo de muitos anos, como a cantata Rinaldo (1863-1868), seus dois primeiros quartetos de cordas Op. 51 n. 1 e 2 (1865-1873), 

o terceiro quarteto de piano (1855-1875) e, mais notavelmente, sua primeira sinfonia, que apareceu em 1876, mas que havia sido iniciada já em 1855.

 Durante 1869, Brahms sentiu-se apaixonado pela filha de Schumann, Julie (então com 24 a 36 anos), mas não se declarou; quando mais tarde naquele ano foi anunciado o noivado de Julie com o conde Marmorito, ele escreveu e deu a Clara o manuscrito de sua Rapsódia Alto (Op. 53). 

Clara escreveu em seu diário que "ele a chamava de canção de casamento" e notou "a profunda dor no texto e na música Em 1878 a 3 de janeiro Brahms estreia nos EUA em Boston a sua Sinfonia nº1 em dó menor op.68

José Maurício Nunes Garcia-Requiem

no ano de 1816, o Padre José Maurício Nunes Garcia compõe Ofício e a Missa de Réquiem, em homenagem a falecida rainha D,Maria I considerada a mais divulgada e uma das mais belas de suas obras.

Berlioz-Sinfonia Fantástica op.14

A Sinfonia Fantástica Opus 14, nome oficial Episódio da Vida de um Artista, Sinfonia Fantástica em Cinco Partes (em francês Épisode de la vie d’un artiste, symphonie fantastique en cinq parties), foi a primeira sinfonia do grande compositor e músico Hector Berlioz, composta no ano de 1830, é o verdadeiro nome da obra, apresentada no dia 5 dezembro de 1830 no Conservatório de Paris, sob a batuta do maestro François-Antoine Habeneck. Esta apresentação difere da que conhecemos hoje, uma vez que Berlioz revisou o trabalho durante anos e só veio a republicá-la em 1845.

 É o trabalho mais conhecido de Berlioz e foi criado por inspiração de sua paixão pela atriz irlandesa Harriet Smithson, após vê-la representar o papel de Ofélia na peça Hamlet, de Shakespeare, no Teatro de Paris, em 1827, e também pela leitura de Fausto, de Johann Wolfgang von Goethe. 

A obra é um marco na música francesa, pois inaugura o sinfonismo na França. Berlioz quebra a estrutura formal da sinfonia, formada de quatro movimentos, quando a apresenta com um movimento a mais. 

Berlioz redigiu um roteiro impresso em 1831 em que indicava o que o protagonista imaginava em cada movimento da obra. Para o autor, o artista, sob efeito do ópio, tem alucinações e estas são traduzidas em cinco situações indicadas através dos cinco movimentos

Mozart-Sinfonia nº41 em dó maior Júpiter" K551

No verão de 1788, depois de uma pausa de 16 meses, Mozart começa a compor de novo – e que grandes obras – suas últimas três sinfonias. E mais, trabalha com incrível velocidade: a Sinfonia nº 41 foi concluída em 16 dias! 

 O apelido “Júpiter” não foi dado por Mozart. É, no entanto, uma das poucas ocasiões em que um apelido faz sentido – se há alguma música olímpica, é esta.

 Não se sabe se a Sinfonia 41 foi estreada em vida do compositor. De acordo com Otto Erich Deutsch , nessa época de Mozart estava preparando-se para realizar uma série de "Concertos no Casino", num novo casino em Spiegelgasse propriedade de Philipp Otto Mozart ainda enviou um par de ingressos para a série ao seu amigo Michael Puchberg . 

Mas parece impossível determinar se a série de concertos foi realizado ou foi cancelado por falta de interesse. 

 Foi a sua última sinfonia

Mendelssohn-Sinfonia nº3 em lá menor"Escocesa"

Quando Felix Mendelssohn contava vinte anos de idade, seu pai, rico banqueiro de Berlim, decidiu patrocinar-lhe uma viagem de três anos pela Europa, para que o filho tentasse uma carreira no exterior. 

Entre 1829 e 1832 Felix visitou o Reino Unido, Bavária, Áustria, Suíça, Itália e França. Em 30 de julho de 1829, em Edimburgo, Mendelssohn encontrou a inspiração para a sua Sinfonia Escocesa: “hoje visitamos o castelo de Holyrood, onde a Rainha Maria viveu e amou.

A capela ao lado está sem teto e repleta de mato e erva. Foi neste altar, hoje em ruínas, que ela foi coroada Rainha da Escócia. Acredito ter encontrado, hoje, o início de minha Sinfonia Escocesa”. 

Durante o inverno de 1830/31, em Roma, Mendelssohn começou a compor sua Sinfonia nº 3. Mas logo teve de deixá-la de lado, pois sua atmosfera não condizia com o clima ensolarado da Itália: “não consigo recuperar o cenário enevoado da Escócia”. 

Apenas dez anos depois ele retomaria a composição da Terceira, terminando-a em Berlim, em janeiro de 1842. A primeira apresentação aconteceu em março, em Leipzig, sob a regência do autor. Em 13 de junho Mendelssohn regeu sua Sinfonia nº 3 em um concerto com a Philharmonic Society, em Londres. O enorme sucesso o encorajou a dedicá-la à Rainha Vitória, que tanto admirava sua música.

: Beethoven-Piano Concerto Nº5 op.73, w1809

No ano de 1812 Beethoven estreia em Viena o seu Piano Concerto nº5 op.73,com Carl Czerny como solista. 

O Concerto para piano n.º 5 em Mi bemol maior, Op. 73 de Ludwig van Beethoven, popularmente conhecido como Concerto do Imperador, foi o ultimo concerto para piano de Beethoven. Foi escrito entre 1809 e 1811 em Viena, e foi dedicado ao Arquiduque Rudolf, patrono de Beethoven.

Tchaikovsky-Piano Concerto No. 1 em si bemol maior Op. 23

O Concerto para piano e orquestra Nº 1 em Si bemol menor, op. 23, foi escrito pelo compositor Piotr Ilitch Tchaikovski entre novembro de 1874 e fevereiro de 1875, revisto pela primeira vez em 1879 e pela segunda vez em dezembro de 1888. A versão original teve sua estreia em Boston, Estados Unidos da América, dia 25 de outubro de 1875, regida por Benjamin Johnson Lang e com Hans von Bülow no piano. Tchaikovski dedicou seu primeiro concerto para piano a Hans von Bülow. Tchaikovski também escreveu um arranjo para dois pianos em dezembro de 1884, e reviu a obra em dezembro de 1888.

Primeiro Movimento – Allegro non troppo e molto maestoso

• Começa com uma das aberturas mais icônicas da música clássica: acordes grandiosos do piano sobre um tema orquestral expansivo e heróico.

• Curiosamente, esse tema de abertura nunca mais retorna ao longo do concerto, o que é inusitado para a forma tradicional.

• Alterna entre passagens de grande brilho técnico e momentos de lirismo russo melancólico, refletindo o estilo emocional e dramático de Tchaikovsky.

Segundo Movimento – Andantino semplice

• Mais calmo e lírico, com um tema principal introduzido pela flauta, depois desenvolvido pelo piano com doçura e leveza.

• Contém uma seção central mais viva, quase como uma dança rústica ou intermezzo.

• Mostra o lado mais delicado e íntimo de Tchaikovsky.

Terceiro Movimento – Allegro con fuoco

• Um final vibrante e cheio de energia, quase dançante, inspirado em melodias populares ucranianas.

• Exige do pianista técnica e resistência, com passagens rápidas, saltos, e acordes vigorosos.

• Fecha o concerto com um clímax eletrizante.

Curiosidades

• Tchaikovsky inicialmente dedicou a obra ao pianista Nikolai Rubinstein, que a criticou duramente. Mais tarde, ele a dedicou a Hans von Bülow, que a estreou com sucesso nos EUA.

• Apesar da má recepção inicial por Rubinstein, o concerto se tornou um símbolo de triunfo musical, um verdadeiro favorito do público desde então.

Beethoven-Triple Concert em dó op.56

Concerto para violino, violoncelo e piano em dó maior de Ludwig van Beethoven, op. 56, comumente conhecido como Concerto Triplo, foi composto em 1803 e publicado em 1804 pela Breitkopf & Härtel. 

 A escolha dos três instrumentos solo torna este um concerto para trio de piano, e é o único concerto que Beethoven já completou para mais de um instrumento solo. 

Uma apresentação típica leva aproximadamente trinta e sete minutos. O primeiro biógrafo de Beethoven, Anton Schindler, afirmou que o Triplo Concerto foi escrito para o aluno real de Beethoven, o arquiduque Rudolf da Áustria. 

O arquiduque, que se tornou um talentoso pianista e compositor sob a tutela de Beethoven, estava apenas no meio da adolescência nessa época, e parece plausível que a estratégia de Beethoven fosse criar uma parte de piano vistosa, mas relativamente fácil, que seria apoiada por mais duas partes. solistas maduros e habilidosos. 

No entanto, não há registro de que Rudolf tenha executado a obra, e vários estudiosos de Beethoven questionaram a afirmação de Schindler. 

 O Concerto Triplo foi estreado publicamente em 1808, nos concertos de verão de Augarten, em Viena. 

O violinista na estreia foi Carl August Seidler, e o violoncelista foi Nikolaus Kraft, que era conhecido por seu "domínio técnico" e um "tom claro e rico". 

 O concerto foi o primeiro de Beethoven. trabalhar para usar técnicas avançadas de violoncelo. 

 Movimentos:

1. Allegro — estruturado de maneira sinfónica, mas com grande espaço para o trio dialogar entre si e com a orquestra.

2. Largo — breve, mas belíssimo, funcionando quase como uma introdução meditativa para o movimento final.

3. Rondo alla polacca — cheio de energia, em ritmo de polonaise, traz um caráter festivo e aristocrático.

Aqui a interpretação é da Berliner Philarmoniker dirigida por Karajan com David Oistrakh, violino Mstislav Rostropovich, cello. Sviatoslav Richter, piano. como solistas   

Beethoven-Piano Concerto Nº3 em dó menor op.3

O Piano Concerto No. 3 em dó menor op. 37, foi composta por Beethoven em 1800 e foi estreado em 5 de Abril de 1803, com o compositor como solista

. Durante esse mesmo desempenho, a 2ªSinfonia e o oratório Cristo no Monte das Oliveiras , também estrearam. 

 A composição foi dedicada ao príncipe Luís Fernando da Prússia 

 Na estreia do concerto, a partitura estava incompleta. Ignaz von Seyfried, amigo de Beethoven, que virou as páginas da partitura para ele na noite de estreia, escreveu mais tarde: "Não vi nada senão algumas páginas em branco.

 No máximo, em uma página ou outra alguns hieróglifos egípcios totalmente incompreensíveis para mim, mas ele havia anotado para servir de pontos de referência. 

Ele tocou quase todo o concerto de memória, já que, como então aconteceu, não teve tempo de colocar tudo no papel

Schubert-Sinfonia nº 1 em ré maior D. 82

A Sinfonia nº 1 em ré maior, ré 82, foi composta por Franz Schubert em 1813, quando ele tinha apenas 16 anos. Apesar de sua juventude, sua primeira sinfonia é uma impressionante peça de música orquestral tanto para seu tempo quanto para seu tamanho

Schubert-Sinfonia nº7 em mi maior D.729

Sinfonia nº 7 é o nome dado a uma sinfonia de quatro movimentos em Mi maior (Ré 729) redigida por Franz Schubert em agosto de 1821. 

Embora a obra (que compreende cerca de 1350 compassos) esteja estruturalmente completa, Schubert apenas orquestrou o introdução lenta e os primeiros 110 compassos do primeiro movimento. 

O resto do trabalho continua em páginas de partituras de 14 pautas como uma linha melódica com baixos ou contrapontos ocasionais, dando pistas sobre mudanças na textura orquestral. 

 Schubert parece ter deixado a sinfonia de lado para trabalhar em sua ópera Alfonso und Estrella, e nunca mais voltou a ela. 

O manuscrito foi dado pelo irmão de Schubert, Ferdinand, a Felix Mendelssohn e posteriormente adquirido por Sir George Grove, que o legou ao Royal College of Music de Londres.

  

Schumann-4ª Sinfonia em ré menor op.120

A Sinfonia nº 4 em Ré menor, Op. 120, é uma obra sinfônica escrita por Robert Schumann e estreada em 1841. 

Foi revisada e reorquestrada pelo mesmo compositor em 1851.

 Schumann preferiu a versão revisada por vários motivos: além da orquestração, ele revisou a estrutura da peça de maneira particularmente eficaz para enfatizar a relação das diferentes partes: 

Numa carta de 3 de maio de 1853 a Johannes Verhust, ele se referiu à versão revisada como "...melhor e mais eficaz..." do que a versão anterior. 

 A viúva de Robert, Clara Schumann, escreveu mais tarde na primeira página da partitura - publicada em 1882 como parte das obras completas de seu marido (Robert Schumanns Werke, Herausgegeben von Clara Schumann, publicada por Breitkopf e Härtel) - que a sinfonia mal foi esboçada em 1841 e só foi totalmente orquestrado ("vollständig instrumentiert") em 1851. 

. A primeira versão da Quarta Sinfonia permaneceu esquecida durante quase todo o século XX. 

Louis Spohr - Symphony No. 2 in D-minor, Op. 49 (1820)

Embora a música de Spohr não seja muito conhecida hoje, sua criatividade levou a muitas mudanças que agora fazem parte do uso diário da orquestra moderna.

 Como um violinista conceituado, ele é responsável por inventar o queixo do instrumento, liberando a mão esquerda do violinista, levando a uma maior complexidade na música.

 Ensaiando sua Sinfonia nº 2 em Ré menor, Op. 49 com a Philharmonic Society of London em 1820, Spohr regeu a orquestra com uma batuta. Este foi o primeiro e um padrão que continua até hoje, . Ele também estabeleceu o uso de letras de ensaio nas partituras musicais para indicar pontos de partida específicos na música, simplificando assim o processo de ensaio.

Beethoven-Piano Concerto Nº2 em Si bemol maior, op.19

O Concerto para Piano nº 2 em Si bemol maior, Op. 19, de Ludwig van Beethoven, foi composto principalmente entre 1787 e 1789, embora não tenha atingido a forma em que foi publicado até 1795. 

 Beethoven escreveu um segundo final para ele em 1798 para apresentação em Praga, mas esse não é o final. que foi publicado. Foi utilizado pelo compositor como veículo para suas próprias atuações como jovem virtuoso, inicialmente planejado com a Bonn Hofkapelle. 

Foi publicado em dezembro de 1801 como Op. 19, após a publicação, em março daquele ano, de sua composição posterior, o Concerto para piano nº 1 em dó maior, como Op. 15, e assim foi designado como seu segundo concerto para piano.

Rachmaninov-Sinfonia nº2 em mi menor op.27.

No verão de 1906, sobrecarregado com inúmeros compromissos e brigas políticas, Rachmaninov pediu demissão do cargo de regente titular do Teatro Bolshoi e transferiu-se, com a família, para a Alemanha.

 Em Dresden, longe da agitação musical de Moscovo e dos tumultos políticos que começavam a assolar a Rússia, ele viveu momentos de paz e intensa felicidade e pôde se dedicar com mais atenção à composição.

 Em outubro começava a compor sua Segunda Sinfonia, que seria finalizada em abril do ano seguinte. Dedicada a Sergei Taneyev, sua estreia se deu em 8 de fevereiro de 1908, em São Petersburgo, sob a direção do compositor.

Chopin-Piano Concerto nº1 en mi menor op.11

Em 1830 a 11 de Outubro Chopin estreia em Varsóvia o seu Piano Concerto nº1 em mi menor op.11, sendo ele igualmente o solista 

.Este  Concerto  é uma das obras mais conhecidas do compositor, embora, curiosamente, tenha sido escrito depois do Concerto nº 2 em fá menor (mas publicado antes, por isso a numeração). Eis alguns pontos que se destacam:

• Data e contexto: Foi composto em 1830, quando Chopin tinha apenas 20 anos, pouco antes de deixar definitivamente a Polónia. Foi apresentado pela primeira vez em Varsóvia, com o próprio Chopin ao piano, em um concerto de despedida.

• Orquestração: Muitos críticos notam que a orquestração é relativamente simples e convencional, sem a riqueza de outros grandes concertos românticos (como Liszt ou Rachmaninoff). Isso porque Chopin queria dar primazia ao piano, que é de facto o grande protagonista da obra.

• O piano como voz: O destaque do concerto é a parte solista. Chopin faz do piano um verdadeiro narrador da peça — cheio de lirismo, ornamentações delicadas, passagens virtuosísticas e momentos profundamente cantabile.

• Estrutura:

  1. Allegro maestoso — longo, grandioso, cheio de contrastes e passagens técnicas brilhantes.

  2. Romance: Larghetto — talvez o movimento mais célebre, de beleza pura, quase como uma ária sem palavras. Chopin descreveu-o como a evocação de uma cena noturna, cheia de ternura e de sonho.

  3. Rondo: Vivace — leve, dançante, inspirado em ritmos poloneses, cheio de brilho e entusiasmo.

• Caráter: É uma obra de juventude, mas já mostra a marca inconfundível de Chopin: a fusão do virtuosismo com a poesia intimista.

. 

Liszt-Piano Concerto nº1 em mi bemol maior

Franz Liszt compôs seu Concerto para piano nº 1 em Mi ♭ maior (Mi bemol maior), S.124 ao longo de um período de 26 anos.

 Os principais temas datam de 1830, enquanto a versão final é datada de 1849. O concerto é estruturado em quatro movimentos e tem uma duração de aproximadamente 20 minutos.

 Estreou em Weimar no dia 17 de fevereiro de 1855, com Liszt ao piano e Hector Berlioz regendo.

Beethoven-Sonata nº32 em dó menor op.111

A Sonata para Piano nº 32 em Dó menor , Op. 111, é a última das sonatas para piano de Ludwig van Beethoven . 

 A obra foi escrita entre 1821 e 1822. 

Como outras sonatas do período tardio, contém elementos fugais . 

 Foi dedicado a seu amigo, aluno e patrono, o arquiduque Rodolfo . A sonata consiste em apenas dois movimentos contrastantes . 

O segundo movimento é marcado como uma arietta com variações . Thomas Mann chamou de "adeus à forma sonata". A obra entrou no repertório dos principais pianistas apenas na segunda metade do século XIX. Ritmicamente visionário e tecnicamente exigente, é uma das obras de Beethoven mais discutidas.

Verdi-Requiem

A Messa da Requiem (antigamente chamada de Manzoni Requiem) é um cenário musical da missa fúnebre católica (Requiem) para quatro solistas, coro duplo e orquestra de Giuseppe Verdi. 

Foi composta em memória de Alessandro Manzoni, a quem Verdi admirava. A primeira apresentação, na igreja de San Marco, em Milão, em 22 de maio de 1874, marcou o primeiro aniversário da morte de Manzoni. 

Considerada muito operística para ser apresentada em ambiente litúrgico, geralmente é apresentada em forma de concerto com cerca de 90 minutos de duração. O musicólogo David Rosen a chama de "provavelmente a grande obra coral composta com mais frequência desde a compilação do Requiem de Mozart".

Beethoven-Piano Concerto Nº4 op.58

Concerto para piano nº 4 de Ludwig van Beethoven em Sol maior , Op. 58, foi composta em 1805-1806. Beethoven foi o solista na estreia pública como parte do concerto em 22 de dezembro de 1808 no Teatro de Viena an der Wien .

 Foi estreada em março de 1807 em um concerto privado na casa do príncipe Franz Joseph von Lobkowitz . 

A Abertura Coriolan e a Quarta Sinfonia foram estreadas no mesmo concerto. No entanto, a estreia pública não foi até um concerto em 22 de dezembro de 1808 no Teatro an der Wien de Viena . 

Beethoven voltou a subir ao palco como solista. O concerto da maratona viu a última aparição de Beethoven como solista com orquestra, bem como as estreias da Fantasia Coral e da Quinta e Sexta sinfonias . 

Beethoven dedicou o concerto a seu amigo, aluno e patrono, o arquiduque Rudolph. wikipedia

Brahms-Concerto Duplo em Lá Menor Op. 102,

O Concerto Duplo em Lá Menor, Op. 102, de Johannes Brahms é um concerto para violino, violoncelo e orquestra. A orquestra é composta por 2 flautas, 2 oboés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 2 trompetes, tímpanos e cordas. 

 O Duplo Concerto foi a última obra para orquestra de Brahms. Foi composta no verão de 1887 e apresentada pela primeira vez em 18 de outubro daquele ano no Gürzenich [de] em Colônia, Alemanha. Brahms abordou o projeto com ansiedade em escrever para instrumentos que não eram seus.

 Ele a escreveu para o violoncelista Robert Hausmann, um colaborador frequente de música de câmara, e para seu velho mas distante amigo, o violinista Joseph Joachim. O concerto foi, em parte, um gesto de reconciliação para com Joachim, depois que sua longa amizade se rompeu após o divórcio de Joachim de sua esposa Amalie. (Brahms ficou do lado de Amalie na disputa.)

Schumann-Cello Concerto em lá menor op.129

O Concerto para Violoncelo em Lá Menor, Op. 129, de Robert Schumann, foi concluído em um período de apenas duas semanas, entre 10 e 24 de outubro de 1850, pouco depois de Schumann se tornar diretor musical em Düsseldorf

. O concerto nunca foi tocado durante a vida de Schumann. Foi estreada em 23 de abril de 1860, quatro anos após sua morte, em Oldenburg, com Ludwig Ebert como solista. 

 A duração de uma apresentação típica é de cerca de 25 minutos.

Brahms-Sinfonia nº2 em ré maior op.73

Sinfonia nº 2 em Ré maior, Op. 73, foi composta por Johannes Brahms no verão de 1877, durante uma visita a Pörtschach am Wörthersee, uma cidade na província austríaca da Caríntia.

 Sua composição foi breve em comparação com os 21 anos que Brahms levou para completar sua Primeira Sinfonia.

 O clima alegre e quase pastoral da sinfonia muitas vezes convida a comparações com a Sexta Sinfonia de Beethoven, mas, talvez maliciosamente, Brahms escreveu ao seu editor em 22 de novembro de 1877 que a sinfonia “é tão melancólica que você não será capaz de suportá-la. nunca escrevi nada tão triste, e a partitura deve sair em luto."

 A Sinfonia nº 2 em ré maior, op. 73 de Johannes Brahms é uma das joias do repertório sinfônico do romantismo.

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Contexto.

• Ao contrário da 1ª, dramática e grandiosa, a 2ª Sinfonia nasceu em poucos meses e tem caráter pastoral, luminoso e lírico.

• Estreou em Viena, em dezembro de 1877, regida por Hans Richter, e foi imediatamente bem recebida.

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Estrutura

A obra segue os quatro movimentos clássicos:

1. Allegro non troppo

   • Forma sonata, com um clima sereno e expansivo, às vezes chamada de “a Pastoral de Brahms” (lembrando Beethoven).

   • Melodias líricas, atmosfera campestre, mas sem perder densidade contrapontística típica de Brahms.

2. Adagio non troppo

   • Movimento lírico e meditativo, com profundidade emocional.

   • Combina ternura e intensidade, como se fosse uma contemplação interior.

3. Allegretto grazioso (quasi Andantino)

   • Leve, gracioso, quase dançante.

   • Um scherzo delicado, com caráter de ländler (dança austríaca), contrastando com episódios mais vivos.

4. Allegro con spirito

   • Um final jubiloso, enérgico e otimista.

   • O movimento cresce em brilho até uma conclusão radiante, contrastando com a gravidade das sinfonias mais sombrias de Brahms.

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Características marcantes

• É considerada a mais luminosa e acessível das quatro sinfonias de Brahms.

• A orquestração é clara, equilibrada, com uso expressivo dos sopros e trompas que reforçam o tom pastoral.

• Apesar do caráter leve, há momentos de melancolia e introspecção típicos do compositor.

• Muitos comentadores a veem como a “resposta” de Brahms à 6ª de Beethoven (Pastoral), mas sempre com sua marca pessoal de densidade harmônica e contrapontística.

Recepção

• A crítica da época a recebeu com entusiasmo imediato, ao contrário da 1ª, que fora recebida com mais cautela.

• Hoje é uma das sinfonias mais tocadas e amadas do repertório romântico, pela combinação de beleza melódica, transparência e calor humano.

 A estreia foi realizada em Viena em 30 de dezembro de 1877 pela Filarmônica de Viena

Mozart-Sinfonia nº40 em sol menor K550

A sinfonia n.º 40 em sol menor, KV. 550, de Wolfgang Amadeus Mozart, também conhecida como a "Grande" sinfonia em sol menor, para distingui-la da "Pequena" sinfonia em sol menor, a n.º 25, foi composta no ano de 1788.

 As duas são as únicas sinfonias em tons menores compostas por Mozart, com a exceção de uma sinfonia em lá menor redescoberta recentemente, do início de sua carreira, conhecida hoje em dia como a Sinfonia Odense

 A obra foi finalizada em 25 de junho de 1788; sua composição se deu em meio a um período excepcionalmente produtivo, de algumas semanas naquele ano, durante as quais Mozart também terminou as sinfonias nº 39 e 41 (26 de junho e 10 de agosto, respectivamente).

Rachmaninov-Piano Concerto Nº1 em fá menor op.1

Composto aos 18 anos, em 1891, foi a peça de formatura de Rachmaninoff do Conservatório de Moscovo. 

Dois anos antes, o aspirante a compositor tinha tentado um concerto que ele abandonaria e nunca mais tocaria no assunto. O primeiro concerto de fato é esse, em Fá Sustenido menor, Op. 1. Isso mesmo, Opus 1.

 Foi a primeira obra com que ele se deu por satisfeito. A melhor forma de se aprender a compor é analisando e copiando obras de grandes compositores. É mesmo. 

O seu professor Alexander Siloti pediu um concerto para piano nos moldes do Concerto em Lá menor de Edvard Grieg. 

A escolha foi perfeita, porque a peça tem um caráter juvenil, é melodiosa e a estrutura é bastante óbvia. A obra foi estreada em 17 de março de 1892, no Conservatório de Moscovo, com Rachmaninoff ao piano e Vassily Safanov regendo a orquestra. 

O curioso é que ele só tocou o 1º movimento. Os concertos, especialmente os de conservatórios, eram repletos de obras diversas, pois tinha-se que dar espaço aos outros alunos. Muito depois, em 1917, Rachmaninoff revisou a obra, especialmente (mas não só) na orquestração. O que antes eram espaços vazios ele preencheu com bastante categoria, melhorando substancialmente a peça.

 Mudou também algo da música, mas relativamente pouco. Essa versão é a que conhecemos hoje, com a primeira, de 1891, tendo sido gravada pela primeira vez apenas recentemente, em 2001, pelo pianista Alexander Ghindin e a Orquestra Filarmônica de Helsinque, regida pelo especialista em Rachmaninoff, Vladimir Ashkenazy.

Beethoven-Piano Concerto Nº1 em dó maior op.15

O Concerto para piano n.º 1, Em Dó Maior op. 15 de Ludwig van Beethoven, foi escrito durante 1796 e 1797. A primeira execução foi feita em Viena em 1798, com o próprio Beethoven ao piano, dedicada à sua aluna Princesa Anna Louise Barbara Odescalchi (também conhecida como a Condessa de von Keglević) ou Babette de Keglevics. 

 É, na realidade, o terceiro concerto para piano do compositor, sendo que Beethoven havia feito uma primeira tentativa no gênero com um concerto em mi bemol maior, que nunca foi publicado, e composto seu segundo concerto, em si bemol maior, dez anos antes, porém, este último só foi estreado depois.

 Neste concerto pode-se perceber a familiarização de Beethoven com os estilos de Haydn e Mozart, ainda que insira traços próprios.